Um novo filme chega ao site de compilação crítico Rotten Tomatoes, e mantém uma pontuação 100% Fresh perfeita, mesmo após a enxurrada inicial de 25, 50, talvez até 75 críticas. Depois disso, torna-se um jogo de espera entre os seguidores do site, pois eles atualizam seus navegadores repetidamente ao longo do dia para ver qual crítico ousará derrubá-lo para 99% com uma revisão da Rotten. Quando isso acontece, o debate começa. Esse crítico está sendo honesto? Ou esse crítico está meramente ofegante! - contrarian, sacudindo o filme de sua posição elevada puramente por alguns momentos de infâmia na Internet (e visualizações de páginas)?
É impossível dizer, embora gostaríamos de errar do lado da integridade do revisor. De qualquer forma, essa voz solitária contra a maioria não é um fenômeno novo, já que mesmo os clássicos do passado - os filmes perpetuamente apresentados nas discussões sobre os melhores filmes já feitos - estavam sujeitos a críticas desagradáveis aqui e ali. Curiosamente, muitas dessas críticas, apesar de terem décadas, foram preservadas (através de links) no Rotten Tomatoes.
Felizmente, muitas das obras-primas reconhecidas do cinema - filmes como Citizen Kane, All About Eve, Singin 'in the Rain e The Maltese Falcon - merecem manter uma classificação 100% fresca no site. Outras gemas não têm tanta sorte. Aqui estão 16 filmes que você ficará chocado ao saber que não tem 100% de tomates podres.
16 PARA MATAR UM PÁSSARO (91%)
A atuação ganhadora do Oscar de Gregory Peck como advogado Atticus Finch é a base de To Kill a Mockingbird, de 1962, um daqueles raros casos em que um filme captura a essência de seu material original, sem nunca o comprometer. Uma visão soberba da maneira única pela qual as crianças vêem o mundo ao seu redor, nesta adaptação do romance vencedor do Prêmio Pulitzer de Harper Lee, encontra a filha de Atticus, Scout (Mary Badham), aprendendo valiosas lições de vida ao ver seu pai defender um homem negro (Brock Peters)) contra acusações fraudulentas de estupro em uma pequena cidade do sul.
Na época do lançamento do filme, Andrew Sarris ofereceu uma crítica empolgante no Village Voice, chamando-o de “filme de truque superestimado” e afirmando que “o negro é menos um personagem arredondado do que uma construção liberal.
infinitamente mais nobre do que seus acusadores de lixo branco [e] incrivelmente puro de coração. ” Analisando (talvez injustamente) o filme de uma perspectiva moderna, Roger Ebert passou sua crítica de 2001 criticando amplamente o que ele considerava ingenuidade, particularmente em cenas que ele afirma que agora só podiam ser “encaradas com um cinismo cansado.
Matar um Mockingbird é, como eu disse, uma cápsula do tempo. Expressa as religiões liberais de um tempo mais inocente.
15 FOI COM O VENTO (94%)
Do ponto de vista social, essa adaptação de 1939 do best-seller de Margaret Mitchell permanece arraigada em controvérsia. Juntamente com Birth of a Nation, de DW Griffith, Gone with the Wind é o filme mais responsável por branquear os males do racismo e, de fato, tornar uma visão romantizada do Velho Sul palatável para a nação em geral. No entanto, puramente do ponto de vista cinematográfico, esse drama sobre as lutas de uma família do sul durante a Guerra Civil é um tesouro genuíno, um épico envolvente, distinguido por realizações de tirar o fôlego no cinema puro. Claramente, os críticos sempre responderam mais fortemente às suas proezas técnicas do que às suas feridas temáticas, já que há muito tempo são anunciadas como uma das melhores realizações de Hollywood.
Houve alguns dissidentes ao longo do caminho. Arthur Schlesinger, revisitando o filme durante sua reedição de 1973, escreveu em The Atlantic que está sobrecarregado por “um pântano de sentimentalismo não convincente. Aspira à ópera e alcança novela. É um tédio. O colega de Schlesinger no Atlântico, Richard Schickel, também no relançamento de 1973, opinou ainda que o filme é "curiosamente sem vida - principalmente conversas e conversas muito floridas". Ele o descartou como "brilhante, sentimental e risonho".
14 É UMA VIDA MARAVILHOSA (94%)
Em 1946, It's a Wonderful Life, de Frank Capra, James Stewart apresenta, sem dúvida, sua melhor performance como George Bailey decente, que requer alguma intervenção celestial para ajudá-lo a superar o que só pode ser descrito como sua noite escura da alma. É uma Vida Maravilhosa, que tem o poder de levar os espectadores às lágrimas, e não o faz com flagrante pressão de botão, mas mostra honestamente como a vida de um indivíduo é realmente algo para comemorar.
Os detratores de Capra costumavam chamar suas fotos de "Capracorn", e esse termo depreciativo pode ser encontrado na retirada de Manny Farber do filme na Nova República. Como ele diz, "É uma vida maravilhosa, o mais recente exemplo de Capracorn, mostra sua arte em um tom histérico". Farber então critica as "caracterizações absurdamente simplificadas demais e o capricho insuportável".
13 UM VOO SOBRE O NINHO DO CUCKOO (95%)
Notável como um dos únicos três filmes a ganhar todos os cinco principais prêmios da Academia (Os Aconteceu Uma Noite e O Silêncio dos Inocentes), o filme One Flew Over the Cuckoo de 1975 é igualmente excelente como uma comédia, um drama e uma crítica social. Jack Nicholson é sensacional como Randle McMurphy, um agente que finge uma doença mental e acaba em uma instituição administrada pela ditatorial Enfermeira Ratched (Louise Fletcher).
Dois figurões estadunidenses, Vincent Canby, do New York Times, e Richard Schickel, da TIME, dividiram o filme após o seu lançamento, embora tenha sido a revisão de 1976 do escriba britânico Kenneth Robinson em The Spectator que emergiu como a mais histérica - em ambos os sentidos. a palavra.
Revelando injustamente o destino final de McMurphy no primeiro parágrafo, Robinson passa a chamar o filme de "nojento" e "devastadoramente horrível" antes de concluir que "além de algumas performances muito boas, o filme não tem nada a me oferecer - além de um sentimento sustentado de náusea."
12 LISTA DE SCHINDLER (96%)
Não demorou muito para que o drama do Holocausto de Steven Spielberg em 1993 se estabelecesse nos anais do cinema. Seu domínio nas 10 melhores listas dos críticos no final do ano foi dado, assim como sua vitória no Oscar de Melhor Filme. Mas foi em 1998 que a Lista de Schindler realmente flexionou seus músculos como um clássico instantâneo. Apenas cinco anos após o lançamento do filme, o American Film Institute o classificou em 9º lugar na lista dos 100 maiores filmes americanos de todos os tempos, e a reformulação da lista em 2007 subiu um pouco para o 8º.
No entanto, nem todo revisor ficou admirado com a conquista de Spielberg. Um dissidente foi Joanne Kaufman, da People Magazine, cujas críticas se baseavam no personagem central de Oskar Schindler (Liam Neeson), o especialista em guerra alemão que, sozinho, salvou milhares de judeus do extermínio. Como escreveu Kaufman, “o filme nunca explica com sucesso o que leva Neeson, um membro do partido nazista, um homem até então inédito e francamente um tanto quanto um cad e um porco, a uma mudança de mente e coração e a atos espetaculares de heroísmo. [H] é momento epifenomenal
parece magro e tapinha."
11 ANNIE HALL (97%)
Depois de anos produzindo imagens desenhadas apenas para provocar risadas, Woody Allen se esticou como cineasta com Annie Hall, de 1977, uma seriocomédia inigualável em que o neurótico Alvy Singer (Allen) reflete sobre seu relacionamento com a igualmente neurótica Annie Hall (Diane Keaton). Críticos, audiências e membros da Academia abraçaram o filme com entusiasmo, e Allen não era mais considerado um comediante brilhante, mas também um gênio artístico.
No entanto, foi especificamente a capacidade de Allen de virar a esquina em sua carreira que levou Gary Arnold, do Washington Post, a expor suas queixas com o filme. "Depois de farsas absurdas tão exuberantes e hilárias quanto Sleeper, Love and Death, Annie Hall é uma decepção suave, confusa e levemente divertida", escreveu ele. “Embora existam frases e situações engraçadas, elas tendem a ser dispersas de maneira ampla e frugal. Pessoalmente, sinto a mudança na abordagem de Allen como uma privação emocional e estilística. ”
10 PSICO (97%)
Nem todo mundo ficou eletrificado com o filme do Mestre, no entanto. A TIME também olhou para baixo, apesar de Robert Hatch, do The Nation, ter ficado particularmente irritado com a foto. "Estou ofendido e enojado", revelou. “Os detalhes clínicos da psicopatologia não são materiais para entretenimento trivial. Psicótico coloca você na posição de checar os horrores da mente doente; isso faz você se sentir impuro. ”
9 JAWS (97%)
Confiado ao gigantesco best-seller de Peter Benchley sobre um grande tubarão branco aterrorizando uma comunidade à beira-mar da Nova Inglaterra, Steven Spielberg se viu trabalhando com material de origem extremamente fino. Com apenas um outro crédito na tela (The Sugarland Express, de 1974), o potencial para um desastre era enorme - especialmente porque o tubarão mecânico não funcionava na maioria das vezes!
O diretor, inspirado em um roteiro que aprimorou o livro, acabou criando um clássico instantâneo com Jaws, de 1975, um filme que deve a maior parte de seu sucesso à excelente orquestração de Spielberg das peças emocionantes e das sequências de choque.
Apesar de admitir que as sequências de tubarões foram "suspensas", o crítico do Los Angeles Times, Charles Champlin, chamou o "Jaws" de um trabalho exploratório e de granulação grossa, que depende do excesso de impacto. " E enquanto ele admirava as apresentações de Roy Scheider e Richard Dreyfuss, ele observou que: “Em terra é um tédio, encenado de maneira desajeitada e escrito de forma grosseira. É um melodrama, amplo e óbvio. ”
8 LEI DA ÁRABIA (97%)
O épico Lawrence da Arábia, de David Lean, em 1962, há muito tempo é considerado um dos maiores filmes já feitos, e seu status se estende muito além da comunidade crítica. Seus inúmeros elogios incluem sete vitórias no Oscar e uma colocação nobre (nº 7) na lista dos 100 melhores filmes americanos da AFI em 2007. Quanto a Peter O'Toole, todos concordam que sua atuação como aventureiro britânico TE Lawrence é impecável.
Faça isso quase todo mundo. Um dos críticos da equipe do The Monthly Film Bulletin, uma publicação do British Film Institute que mais tarde se tornou parte da influente revista Sight & Sound, escreveu que “o desempenho de Peter O'Toole, agradável, inteligente e dedicado, carece da qualidade de estrela que levaria o filme junto com ele."
Deste lado do Atlântico, Bosley Crowther, do New York Times, poupou O'Toole, mas não o tratamento do personagem, afirmando que o filme “reduz uma figura lendária ao tamanho convencional de herói de cinema em meio a cenários magníficos e exóticos, mas um cenário convencional. muitos clichês de filmes de ação. ”
7 CASABLANCA (97%)
Bogart e Bergman como Rick e Ilsa. Laszlo e as cartas de trânsito. Capitão Renault e sua encantadora corruptibilidade. "Conforme o tempo passa." "Aqui está olhando para você, garoto." Você conhece a rotina. Então, junte os elogios de sempre à Casablanca de 1942, cuja posição como uma das imagens mais populares - e citáveis - de Hollywood permanece inalterada com o passar do tempo.
Casablanca agradou os críticos e, além disso, conquistou o Oscar de Melhor Filme, mas os críticos da TIME Magazine não o aceitaram. No resumo semanal da publicação de novos lançamentos, o crítico designado usou principalmente sua resenha para comentar as aparências físicas dos atores - para começar, Bogart “se parece com Buster Keaton interpretando Paul Gaugin”, enquanto SZ Sakall, queixada do estilo “deveria considerar usar seu rosto em um soutien ”- antes de concluir, “ nada menos que uma invasão poderia adicionar muito a Casablanca ”. É difícil imaginar que alguém tenha levado a sério essa crítica, já que, na redação de um dos outros novos filmes cobertos naquela semana (Once Upon a Honeymoon), o crítico se referia repetidamente a Cary Grant como "Gary Grant".
6 UMA VEZ NO OCIDENTE (98%)
A comédia operística de Sergio Leone permanece notável por várias realizações, incluindo o elenco do herói de Hollywood Henry Fonda como um assassino de sangue frio e a maneira como os visuais combinam lindamente com a partitura excepcional de Ennio Morricone (Morricone realmente compôs sua música antes de Leone começar a filmar). Mas foi apenas em outros países que o público pôde aproveitar todos os 165 minutos deste clássico de 1968, uma vez que a versão lançada nos EUA no ano seguinte foi cortada em 20 minutos. Somente muito mais tarde o corte inteiro foi disponibilizado nos Estados Unidos.
Roger Ebert revisou o filme quando ele chegou aos EUA, em 1969, e foi, sim, o comprimento que levou à sua revisão morna. Enquanto ele admite que o filme é "divertido" e se distingue por "algumas performances interessantes", ele também lamentou o fato de "o filme se prolongar por quase três horas, com intervalo, e fornecer dois alarmes falsos antes de finalmente terminar".
5 NOITE DE UM DIA DURO (98%)
Lançado nos EUA em agosto de 1964, seis meses após a lendária participação dos Beatles no The Ed Sullivan Show, o marco do diretor Richard Lester, A Hard Day's Night parece um documentário, soa como um musical e parece uma comédia. Nesse momento de congelamento, John, Paul, George e Ringo não passam de inocentes completos, prontos para compartilhar seus sons alegres com o mundo. Com tantos bits clássicos saindo da tela em uma corrida louca, não é de admirar que o filme tenha sido famoso pelo crítico do Village Voice, Andrew Sarris, como "o Citizen Kane dos musicais da jukebox".
Jonas Mekas, o outro crítico do Village Voice, discordou e ele até usou sua crítica para levar Sarris à tarefa. “Somente quem ignora completamente o trabalho dos cineastas do 'novo cinema americano' nos últimos três anos pode chamar A Hard Day's Night, mesmo que brincando, o Citizen Kane do cinema portátil (Sarris fez).” Quanto à própria imagem, Mekas reclamou: “Nem boa atuação nem boa fotografia podem fazer um bom filme.
Na melhor das hipóteses, é divertido. Mas 'diversão' não é uma experiência estética: a diversão permanece na superfície. ”
4 CHINATOWN (98%)
"Esqueça, Jake. É Chinatown." Essa linha imortal é suficiente para fazer qualquer amante de cinema desmaiar, mas é apenas um dos inúmeros momentos clássicos nesta obra-prima neo-noir de 1974 do diretor Roman Polanski, do roteirista Robert Towne e da estrela Jack Nicholson, este último escolhido como ator particular nos anos 1930. Los Angeles que se envolve em uma trama labiríntica envolvendo assassinato e corrupção política.
O fato de Chinatown ter conquistado a admiração de seus colegas e subsequentemente conquistado 11 indicações ao Oscar (vencedor do prêmio de Melhor Roteiro Original) não impressionou Gene Siskel, que escreveu no Chicago Tribune que considerava o filme “tedioso do começo ao pouco antes do fim.. A maioria dos problemas encontra-se na direção de Polanski. A cena inicial de quase todas as cenas foi supercomposta artificialmente a ponto de conscientizar Jack Nicholson vestindo roupas dos anos 30 enquanto estava em uma sala decorada para parecer uma sala dos anos 30 enquanto conversava com estereótipos retirados de uma variedade de filmes dos anos 30."
3 HISTÓRIA DO BRINQUEDO 3 (99%)
A franquia mais duradoura da Pixar quase deu o que falar, mas no final chegou a um ponto percentual a menos. Certamente, é impressionante que o Toy Story de 1995 tenha uma classificação 100% fresca de 78 comentários. E é notável que Toy Story 2, de 1999, mantenha uma classificação 100% fresca com 163 avaliações. Mas com quase 300 críticas, as probabilidades foram dramaticamente empilhadas contra o Toy Story 3 de 2010, não encontrando alguns dissidentes entre as fileiras.
O principal desses opositores foi, é claro, o ex-revisor da New York Press Armond White, cuja notoriedade on-line como contrária surgiu em grande parte de sua repercussão neste filme. No mesmo dia em que ele enviou uma crítica arrebatadora para Jonah Hex (“Arte verdadeira”), White classificou Toy Story 3 como “um jogo entediado que apenas as pessoas que sofreram lavagem cerebral comprarão. Além disso, Transformers 2 [Transformers: Revenge of the Fallen] já explorou o mesmo enredo para maior emoção e opulência."
2 O PAI (99%)
Enquanto os cinéfilos continuam discutindo se O Poderoso Chefão ou O Poderoso Chefão: Parte II de Francis Ford Coppola é o melhor da trilogia (O Poderoso Chefão: Parte III dos anos 90 nunca entra em discussão), não há como negar que o primeiro filme causou mais impacto do que o seu acompanhamento de 1974. Lançado em 1972, O Poderoso Chefão quebrou recordes de bilheteria, reviveu a carreira de Marlon Brando, fez uma estrela de Al Pacino e transformou "Vou fazer uma oferta para ele que ele não pode recusar" em uma citação onisciente do filme. No entanto, nenhum filme pode reivindicar uma classificação de 100% no Rotten Tomatoes, com a Parte II em 97% Fresh e o original em 99% Fresh.
A única crítica negativa sobre RT para O Poderoso Chefão é cortesia do crítico da Nova República Stanley Kauffmann, que se concentrou amplamente no desempenho de Brando. “Não vejo como um ator talentoso poderia ter feito menos do que Brando aqui. Seu poder residente, sua pura força inata, raramente pareceu mais fraco. Kauffmann não poupou os outros participantes, afirmando que Pacino “se agita em uma parte muito exigente para ele” e Coppola “economizou toda sua criatividade limitada para os disparos e estrangulamentos, que estão entre os mais cruéis que me lembro”.
